CIRO G. JIMÉNEZ: LA SEGUNDA CIUDAD

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Hay novelas que no dicen nada aunque tengan un argumento y hay otras en las que el argumento es lo de menos, como en la que nos ocupa porque, me aventuro a interpretar la intención del autor, no pretende contar una historia sino rescatar los pedazos que quedan incrustados en una mente enferma y traumatizada. Cada lector, pues, puede sacar sus propias conclusiones. La Segunda Ciudad nos mete de  lleno en la mente de un ex-prisionero del ISIS, Óscar Inclán, que regresa a su casa, como superviviente de un trauma. Allí tendrá que combatir con emociones y sentimientos no olvidados a la vez que deberá aceptar la muerte de su amante, Satoko, durante su cautiverio. Éste es el argumento, pero lo interesante es la mezcla de realidad y ficción en la mente del protagonista, que crea un lugar imaginario, la Rue d’Auseil, que le ayudó a mantenerse mentalmente con vida durante su cautiverio. En la isla de Tslal, vivió sus años más felices, pero Óscar está acorralado por sus traumas e imágenes del pasado donde Satoko es omnipresente. La Segunda Ciudad es la promesa imposible de un futuro incierto.

Ciro G. Jiménez, además de escritor, es crítico literario en El Norte de Castilla y editor de Librosmayorquecero, que publicó el interesante libro de relatos Bofetadas de Pedro López Pérez,  que ya comentamos hace un tiempo. Si ya es difícil escribir sobre lo físico y material, lo es más si se re-crean esos mundos fantásticos o sólo imaginarios de nuestra perturbada mente, como hace Ciro G. Jiménez, desde un diálogo que el protagonista quiere mantener consigo mismo, aún a sabiendas de que es posible que sólo se esté engañando. No obstante, el autor no deja huérfano al lector, aunque le da total libertad para pensar lo que quiera, entre referencias musicales como Aerosmith o literarias como Lovecraft y Poe, en concreto, de Arthur Gordon Pym.

La Segunda Ciudad es una novela que nos adentra de una manera dulce en el abismo de la memoria del protagonista con un lenguaje lírico y a la vez descarnado, rico en abundantes descripciones y matices que hacen de La Segunda Ciudad una novela excelente, intensa e inusual.

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RICHARD FORD: MI MADRE

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En realidad yo quería hablar de Canadá pero no he sido capaz de terminar las 600 páginas. Tampoco pude con El día de la independencia y supongo que no estoy siendo justa con quien es definido como uno de los mejores escritores norteamericanos que para mí es tanto como no decir nada. Precisamente, hablamos hace poco del genial Winesburg, Ohio, de Sherwood Anderson y, a pesar, de que se interpreta que Ford radiografía como nadie la sociedad estadounidense, a mí me parece que las comparaciones son odiosas, lo que me lleva al eterno problema del gusto y la crítica literaria. Partimos, pues, de la base que Ford es un gran literato pero con el que no puedo pasar de la página 50 así que me he decidido a explorar alguna obra más breve y he topado con Mi madre, que es una especie de homenaje de quien le trajo al mundo.

De todos es sabido que la sociedad hispana y la estadounidense no tienen el mismo concepto de la familia, por lo que no debería haberme sorprendido por algunos párrafos, sin embargo, así ha sido, pero empecemos por el principio.  Su madre se llamaba Edna Akin, y había nacido en 1910, en un pueblo de Arkansas, una tierra dura, que apenas  tiene que ver con él. Algo que me ha gustado es la intención de Ford de ver a su madre como una mujer, como la veían los demás y como él no era capaz de hacerlo. Fue una mujer que no había estudiado, que se casó con un viajante y vivió quince años en la carretera, se quedó viuda a los cuarenta y nueve años y fue de un trabajo a otro para mantener a su hijo adolescente, problemático y que pasó largas temporadas con sus abuelos, que eran muy permisivos. Por lo que dice Ford, fue una mujer valiente y llena de resignación.

De una manera bastante aséptica Ford realiza una cronología por momentos que el recuerda como importantes  y cómo tras la muerte de su padre, no volvió a ser la misma. Después el se fue a la universidad, algo para lo que ella ni le animó ni lo contrario y, a partir de ahí, dejaron de verse, aunque hicieran esfuerzos. Ella tenía otra vida, con amigos y él se sentía culpable en cierto modo, de que su vida transcurriera de una manera  con un objetivo poco claro. Luego llegó el cáncer, él se planteó que fuera a vivir con su familia y ella se negó, pues no quería que sucediera lo mismo que le había ocurrido a ella con su madre y renunció a la idea. No quiero juzgar, pero el siguiente párrafo me ha dejado sin aliento: “Reíamos pensando en cómo la dejaría abandonada, ella en el asilo para pobres y yo en algún sitio pasándolo en grande” (Barcelona, Anagrama, 2010, p. 65). Creía que tenía bastante humor negro, pero esto me ha parecido terrible y se fue a una residencia que se había pagado ella. Al final sí fue con él y su mujer, pero dijo unas odiosas palabras. Le honra haberlas escrito, pero este libro, ni novela, ni biografía ni nada que se parezca, acaba diciendo que se querían y ya está y quizá eso sea lo que me ocurra con Ford. Que dice las cosas y ya está. Que no hay nada más, no hay nada que subyazca a lo que nos cuenta. El amor no es sólo decir “te quiero”, como si las palabras fueran suficientes. Así que lo único que puedo decir, es que aunque en un principio pensé que era un homenaje a su madre, me ha parecido más una manera de expiar su propia culpa. Sin duda es un libro sincero, pero frío. No me ha llegado y no voy a dar a este autor más oportunidades.

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JEAN PAUL DIDIERLAURENT: CONVERSACIONES CON MI ENANO DE JARDÍN

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Confieso que siempre he sentido amor-odio por los enanos de jardín. Quizá me suceda lo mismo por la literatura francesa, no sé. En este caso, más que odio diríase aburrimiento,  lo que me lleva a pensar que o no tengo sentido del humor o no tengo ni idea de literatura y puede que tampoco de hacer dinero con la literatura, aunque eso es más bien seguro.

El título original de este engendro es “la grieta” y si no le hubieran cambiado el título ni siquiera lo hubiera abierto. Es decir, me reí con el título y luego llegó el sopor. Como los adjetivos que recomiendan este libro son “delirante” o “lleno de risas”, pues no sé qué pensar de mi propio humor. El argumento se basa en la surrealista historia de un hombre, que es director de una empresa de enanos de jardín, Xavier Barthoux, que se aburre tanto como yo con esta lectura, hasta que ve una grieta en la casa de verano, a la vez que comienza a charlar con Número 8, un enano de jardín, que le lleva a un viaje iniciático y también ridículo.  Resulta que la ubicación de la casa se encuentra en las antípodas de una isla neozelandesa, por lo que decide ir allí y cambiar de existencia.

El planteamiento no está mal, pero la resolución es bastante pobre. Me propuse con esta lectura pasar un buen rato y por lo menos no he terminado creyendo que mi existencia es tan aburguesada como la de este hombre que no deja de echar balones fuera sin ver su propia culpa en lo que le sucede y al que todo termina saliendo bien aunque no se lo merece. Es un personaje al que un final a lo Hollywood no beneficia.

De esta novelucha no se puede hacer un análisis extenso pues no hay temas trascendentes, ni tramas interesantes, aunque podría haber metido algo de enjundia, recordemos que el humor no está reñido con los temas serios y eso por no ponerme freudiana, que ya sabéis, que la risa es el sustituto del miedo a la muerte, de ahí el humor negro. En fin, no me extiendo más, la pretensión del autor no era escribir una gran obra, sólo un bestseller y lo ha conseguido, aunque tampoco entiendo muy bien el porqué. En cualquier caso, hay escritores y personas que dan con la clave del éxito y repetirán la fórmula hasta la saciedad. A algunos os gustará y a otros no, pero es lo que vende. A mí me ha parecido tan superficial que hasta me ha dado pena el puñetero enano de jardín de la portada.

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SHERWOOD ANDERSON: WINESBURG, OHIO

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Como cualquier cretino he leído la contraportada y, en honor a la verdad, se queda bastante corta, algo de por sí extraño. En la edición que manejo, Malcom Cowley, poeta, editor, historiador y crítico literario, apunta que escritores de la talla de Hemingway, Faulkner, Caldwell, Saroyan y Henry Miller, han contraído una “indudable deuda” con el autor. No obstante, deja tantos nombres fuera que no creo posible que ningún escritor estadounidense que se precie no haya bebido de Anderson. Podríamos mencionar a Carson McCullers, F. Scott Fitzgerald, Ray Bradbury, quien indicó que esta obra le inspiró Crónicas marcianas, o Raymond Carver, cuyo realismo podría considerarse algo desvaído frente a la fuerza de los personajes de Anderson, quien traza una certera línea entre lo genuino y lo falso.

Winesburg, Ohio: colección de relatos sobre la vida en un pequeño pueblo de Ohio, su título real, se articula a través de veintidós relatos contados por un narrador omnisciente, George Willard, un adolescente, reportero de un periódico local, que es el hilo conductor. Cada historia está protagonizada por un personaje y por eso me resisto, con otros tantos críticos, a llamarlo novela. Fue bien recibida, vendió unos 3000 ejemplares y se considera un clásico de la literatura estadounidense, precursora, en cierto modo, de las obras modernistas. Tras su éxito inicial en la década de los años veinte, decayó su popularidad como autor, pero la influencia, como decíamos, es notoria.

Los personajes muestran una manifiesta incapacidad de expresar sus emociones y la soledad es el tema principal.  Cuando lees Winesburg, Ohio, crees que otras obras son sucedáneos, a pesar de que su estilo es mucho más sencillo que el de Faulkner, pero mucho más oscuro que el de Hemingway, por ejemplo. Aunque en algunas cuestiones tiene cierta moralina, el estilo es demoledor. Se tacharon sus historias de “sórdidas”, que se desarrollan en una zona rural, inventada, aunque exista un pueblo con el mismo nombre. Es un momento en el que la sociedad industrial comienza a variar las tradiciones y comportamientos. Estos personajes se encuentran en un impasse, aunque ni ellos mismos lo sepan. Sus vidas son un fiel reflejo, no sólo del Medio Oeste americano en las primeras décadas del siglo pasado, sino que puede que nos explique algo más del tremendo cambio al que nos vemos abocados en esta tercera revolución industrial en la que estamos inmersos. Podemos leer estos veintidos relatos desde nuestros cómodos sillones como algo lejano y escabroso o contemplar nuestra provinciana imagen en un espejo más grande en el que recordar aquella frase de Lampedusa: “es necesario que todo cambie para que todo siga igual”. Sé que a veces es desolador y es duro. No, no es necesario escribir así, pero es imprescindible que, al menos de vez en cuando, recordemos que el mundo no gira a nuestro alrededor.

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ALFREDO CONDE: MEMORIA DE NOA

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El verano se ha alargado más de lo habitual este año y por lo que a este blog se refiere. No es que me haya olvidado de vosotrxs, sino que la vida a veces va más deprisa o despacio de lo que nos gustaría. Tanto si esta excusa, barata por lo demás, os sirve o no no me concierne. Lo cierto es que la frecuencia de mis entradas pasará a ser quincenal o no será, lo que me concederá un tiempo imprescindible para otros menesteres, primordiales, en este momento. Espero que las críticas de las lecturas que vienen os resulten interesantes 🙂

Me encuentro inmersa en un proceso de cambio a todos los niveles y esto, por lo que a la literatura se refiere, y por lo que a mí respecta, sólo quiere decir que voy a lo seguro. Nada de experimentar cuando vas pisando huevos por la vida, motivo por el cuál, he ido a uno de mis grandes referentes, Alfredo Conde. En este caso, como en otros que vendrán, relacionados con vivencias y la narración de esas vivencias, algo que tiene que ver con mi próximo trabajo. Para los que no me conocéis, este blog no sigue modas sino mis propios impulsos.

Noa, la protagonista, es hija de un cura, nacida del amor y amada por su padre, no tanto por su madre, algo psicológicamente mucho más peligroso. Es probable que ese sea el detonante de esta búsqueda en la que el sexo, sin ser lo más importante de la novela sea relevante. Veamos. Todos tenemos una idea de nuestra identidad que intentamos alejar de nuestra identidad sexual, pero son una. No es que seamos lo que deseamos pero tampoco lo contrario. En el fondo la pregunta es si es necesario el amor y también si lo es el sexo y dado que la protagonista es una mujer y el autor no (distingamos autor de narrador), el conocimiento de las mujeres se hace imprescindible o toda la estructura de la obra se iría al traste, lo que, por fortuna, no sucede, y sí la convierte en un alarde introspectivo.

Empieza lenta, como todas las obras de Conde, para terminar apoteósica. Noa utiliza unas sesiones de carreras por la naturaleza para pensar en su vida. Es difícil entrar en el personaje por el lenguaje lírico que no esperaba y que sea a la vez tan racional como para medir el amor y también el sexo, pero así vamos siendo a medida que maduramos: hacemos caso a nuestra mente, olvidamos lo que no debemos y recordamos lo que no queremos las más de las veces, lo que nos convierte así en la cantidad justa de los intersticios de ambas. El gran acierto de Conde ha sido no intentar diseccionar cómo es una mujer, ni decirnos lo que lleva dentro, ni mucho menos juzgar o idolatar. El ser humano es más bien poco pero difícilmente definible, incluso para sí mismo. Nos engañamos e intentamos hacer lo propio con los demás. La familia, tantas veces problemática nos sirve de marco en esta historia para dar voz a una vida que debe ser inequívocamente nuestra y que Alfredo Conde, una vez más, nos anima a reivindicar.

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GONZALO TORRENTE BALLESTER: TEORÍA DE LA NOVELA

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Gonzalo Torrente Ballester ​tiene el dudoso honor de pertenecer a ese conjunto de literatos españoles, injusta e indecentemente, olvidados por el gran público, como por ejemplo, Miguel Delibes o Ignacio Aldecoa. En su haber cuenta con numerosos galardones como el Premio Cervantes, el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y el Premio Nacional de Narrativa, cuya obra cumbre es La saga/fuga de J. B.

En  Teoría de la novela, se incluyen seis conferencias inéditas. Las cuatro primeras fueron pronunciadas en un curso de 1973 con ese mismo título, las otras dos se centran en el realismo y en el proceso de la creación, probablemente lo más interesante para profanos en materias teórico-literarias. Desde luego hay que observar sus planteamientos con la cautela del momento histórico en el que fueron escritos pues, como sabemos, las teorías dan muchas vueltas.

Sobre el concepto de novela se ha escrito de manera ingente, y mientras leía me venían a la cabeza textos de Unamuno, Baroja u Ortega. Su definición de novela no tiene desperdicio: “obra narrativa de carácter ficticio que tiene como finalidad interesar por el destino de alguien que no existe”Resalta luego el proceso de invención, porque Torrente es sobre todo escritor, y divide el proceso en tres fases: la prefiguración, el texto aún no está realizado, la configuración, visible por y para las palabras, la materia prima, hasta conseguir la figura, esto es, el texto definitivo, ante el que menciona tres posicionamientos: el del lector, el del crítico y el del estudioso. Es decir, tiene en cuenta estas cuestiones porque, en su momento, la literatura era una cosa seria, a la que se dedicaban personas de vasta cultura, que analizaban los entresijos y no consumían cuatro conceptillos y lanzaban al aire ridiculeces varias para repipis, lo que también choca con las cualidades que debe tener un novelista, entre las que destacan la organización y la estructura. Confío en que no levante la cabeza, porque creo que son dos cuestiones que la mayoría de los escritores actuales no pone en práctica a menudo. Menciona la intuición como una pieza fundamental, pero para llegar ahí es necesaria mucha introspección y silencio y nos come el ruido del marketing.

Otras cuestiones tratadas incluyen la frontera entre novela y cuento, el origen de las historias, las fases de la invención siguiendo los postulados retóricos o la importancia de los personajes, la clave de la narrativa. No obstante, formula cuatro principios que vertebran su teoría, el de “cohesión”, el de “congruencia”, el de “convivencia” siendo, para mí el más interesante, el de “realidad suficiente”, que decidí utilizar en mi compilación (gratuita) de críticas de este blog desde su inicio hace seis años, Realidad suficiente, Torrente lo define como “[…] las condiciones que tiene que tener un texto para que sin ser real pueda parecerlo, pueda causar al lector impresión de realidad”. Esto ya viene de Aristóteles. Para algunos autores no es lo más importante a la hora de escribir, pero tengamos en cuenta que es anterior a la teoría de los mundos posibles (Véase Tomás Albaladejo Mayordomo), no obstante, sin verosimilitud el texto cae, los personajes se inmolan y la novela termina siendo un castillo de naipes por el suelo. Hay otras cosas, igual que hay otros libros más teóricos y más modernos, pero podemos empezar por aquí si queremos llegar a ser novelistas.

A partir de ahora comienzo mi habitual retiro de las redes sociales hasta octubre, momento en el que espero teneros al otro lado de los cables para ofreceros más y más libros. Gracias por estar ahí.

 

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MANUEL VICENT: TRANVÍA A LA MALVARROSA

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Hasta ahora Valencia ha sido para mí un refugio. A lo largo de muchos años la Malvarrosa se convertía por un, siempre demasiado, breve espacio de tiempo en mi bunker personal donde desbrozar las malas hierbas, coger fuerzas para el resto del año y repetir como un mantra: “el mar pone todo en su sitio”. Los cambios acaecidos este año no me dejan aventurar si esto seguirá siendo así, pero al leer Tranvía a la Malvarrosa, me he dado cuenta del enorme afecto que guardo a esta tierra que siempre me ha demostrado que no todo es lo que parece, incluida yo.

Manuel Vicent (1936-) es licenciado en Derecho y Filosofía y también periodismo, donde ha destacado con sus artículos. Ha probado casi todos los géneros: novela, teatro, relatos, biografías, libros de viajes, entrevistas, gastronomía y es, además, experto en arte. Ésta es sin duda alguna, su característica más relevante por lo que a esta obra se refiere y es que es constante la luz en su prosa a lo largo de toda la novela, de tal forma, que diríase que es un sentido homenaje a Joaquín Sorolla, también valenciano, y uno de mis pintores favoritos, que desarrolló la técnica pictórica del “luminismo”. No es extraño, por tanto, que alguna de sus definiciones como la de Andrés Rábago García (más conocido como El Roto), que ilustró su obra Crónicas urbanas, el estilo de Vicent «es muy barroco, pero también muy luminoso» y que Francisco Umbral, del que ya hemos hablado en Monólogo interior, admirara a Vicent por«la calidad tectónica de su prosa, (…) la fuerza levantina de sus imágenes, (…) el volumen áureo y matinal de su palabra». Lo de matinal también tiene que ver con la luz, que no se apaga en toda la obra.

Una suave ironía y un humor negrísimo hacen que esta novela sea una deliciosa lectura de verano, en la que un muchacho comienza un viaje iniciático de la adolescencia a la juventud, desde  un burdel sórdido pero amable, marcado por un amor platónico, el sexo, la universidad, el calor y la Malvarrosa. Ha sido para mí una auténtica gozada recorrer a través de estas páginas, calles tan conocidas y queridas del barrio de Ruzafa o la Gran Vía de Germanías y recordar tantas mañanas cerca del balneario de Las Arenas. Parecen inevitables las notas autobiográficas y la crítica a esa España de pandereta, de curas y putas, de pobreza mental obligada y, sobre todo, de la otra. No en vano se ha llevado al cine, pero no he visto la película. Poco más que decir. Es una novela que te mece con el mar y la luz levantina, a través del humor y unos diálogos excepcionales. Vicent ha sabido reflejar fielmente la fuerza y la belleza de Valencia, casi un personaje más, sin escatimar en críticas a ese período histórico tan temible, aún no superado, que fue la dictadura franquista. No es probable que lea con devoción todas sus obras, por ejemplo Son de mar me pareció mediocre, pero es bueno tener como referencia una prosa preciosista como la suya.

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SCOTT FITZGERALD: EL GRAN GATSBY

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Fitzgerald murió creyendo que había fracasado con esta novela. Esto sucede cuando uno sabe que ha escrito algo grande y no recibe una retroalimentación que considera suficiente. Ahora bien, ¿algo grande comparado con qué? Sin duda, esta novela es buena y no voy a ser yo quien contradiga a grandes escritores y críticos, pero aparte de unos diálogos excepcionales, una visión no escrita con anterioridad de esa época y una gran ambientación, yo creo, con toda la humildad del mundo, que El gran Gatsby no es una gran novela, sino un excelente guión cinematográfico, cuyos personajes representan con exactitud la decadencia moral que presagia el gran desastre. Él quería, según sus palabras: “algo nuevo, extraordinario, hermoso, simple, pero con un intrincado diseño”. Consiguió todo eso, en mi opinión, pero es etéreo. Pío Baroja decía que se saltaba las descripciones, yo me he saltado diálogos que, como digo, son dignos de estudio, para llegar a la acción. No me he metido en los personajes porque no estaba en una novela sino en una película y esto me preocupa pues es una cuestión de expectativas. Me sucedió igual con Madame Bovary de Gustave Flaubert, que tampoco consiguió engancharme, me pareció insulsa y a ratos ridícula (comparada con La Regenta de Leopoldo “Alas” Clarín), y me hace preguntarme sobre mi criterio y sobre conceptos de hermenéutica para saber si estoy esperando leer algo que case con lo que yo considero excepcional y no necesariamente lo que se considera excepcional de una manera más o menos objetiva. Es decir, existe un canon nos guste o no, pero es difícil situarse fuera de él sin interpelarse si existe una justificación demostrable sobre por qué crees que una novela no es una obra maestra, a pesar de lo que diga todo el mundo, como creo que es el caso. El propio Fitzgerald dijo:«He escrito la mejor novela de los Estados Unidos de América.» Autores como T. S. Eliot, Edith Wharton o Gertrude Stein secundaron la moción. Me ha sorprendido que Harold Bloom, controvertido crítico sobre el que ya hemos hablado en Monólogo interior que no deja títere con cabeza, diga que esta obra “tiene pocos rivales como la gran novela americana del siglo XX. Al volver a leerla, una vez más, mi inicial y primera reacción es de renovado placer.” Pues bueno, me quedo fría, y no le hago caso en esta ocasión como en otras tantas. O bien no tengo la sensibilidad necesaria o estoy completamente equivocada con mi criterio. También hay grandes novelas que son muy complejas de entender filosóficamente pero no es el caso. En El gran Gatsby no hay niveles de lectura a los que no llego. Comprendo el momento en el que se escribió y que era algo novedoso, no hay problemas de verosimilitud, hay una trama, hay amor, desamor, muertes, está todo pero me ha costado pasar cada página, no sabéis cómo me he aburrido. Me sucede con algún otro autor estadounidense que intento leer y me es imposible, como Richard Ford o Saul Bellow. Nada, cada vez que lo intento las páginas pesan toneladas, los párpados se me caen y termino descompuesta pensando que no sé suficiente de literatura. Eso es cierto. Nunca es suficiente.

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MALCOM BRADBURY: CORTES

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Quizá no habéis leído ningún libro de Malcom Bradbury, pero es muy posible que hayáis seguido alguna de las series británicas, de la época dorada, diría yo, en las que ejerció de guionista. Bradbury (1932-2000) fue, además de escritor y guionista, crítico literario y profesor de literatura, especializado en literatura norteamericana. A su curso de Maestría en Escritura Creativa asistieron Ian McEwan y Kazuo Ishiguro, no está mal. Para cualquiera que se haya acercado a la literatura inglesa, resulta de cajón compararlo con David Lodge, con el que compartió dedicación laboral, gusto por el humor y la sátira y las llamadas novelas de campus, donde ambos ponen a bajar de un burro el academicismo del profesorado y su gusto desmedido por el sexo en camastros de los lugares donde se desarrollan tediosos congresos literarios, como El mundo es un pañuelo, probablemente la mejor. A menudo éstas tienen varios niveles de lectura, ya que esconden mucha teoría literaria, por lo que, para los no iniciados en el mundo académico, la sátira es lo más visible. Yo pensaba que este tipo de novelas eran una hipérbole hasta que fui a mi primer congreso. Pero volvamos a Bradbury. Precisamente esa vena satírica de la que hablábamos es lo que une la obra Cortes con este tipo de novelas, puesto que también se centra en un gremio, en este caso, uno que también conocía: los guionistas de televisión.

En Cortes hace varios juegos de palabras (excelentes, sobre todo en las primeras páginas), burlándose de los infames re-cortes de Margaret Thatcher en la década de los 80, a la vez que da una visión entre ridícula y lamentable pero, desde luego, dramática, tanto de los ejecutivos de televisión y de los escritores, que aparecen como marionetas desprovistas de ingenio. No sé si decir que el protagonista tiene baja autoestima o que la estima en la que le tienen es muy baja, probablemente ambas. A ratos este grotesco relato, que cuesta creer que pueda ser cierto, tan cierto como el sórdido ambiente universitario, es muy divertido y la técnica literaria extraordinaria, aunque me temo que no contenga nada más que una crítica feroz demasiado apegada a la época en la que fue escrita, es decir, ha envejecido un poco mal. Aún así, es una más que digna representante del humor británico, que tanto me gusta.

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VV.AA.: ESAS QUE TAMBIÉN SOY YO. NOSOTRAS ESCRIBIMOS

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A veces escribir no es sólo un placer sino un orgullo y también una forma de resistencia ante eso tan invisible que parece que no existe llamado machismo. En este libro de relatos se muestra la inevitable heterogeneidad de las autoras, de diferentes edades, lugares de procedencia e ideologías, herederas, sin embargo, de lo esencial que nos une a todas que es la lucha por el respeto y no la batalla contra los hombres. Nada más lejos de la verdad que esas visiones fascistas del feminismo. Se han expresado aquí sentimientos y experiencias propias y ajenas en una excelente antología de mujeres escritoras e ilustradoras a la que están bienvenidos cuantos hombres quieran unirse a la lucha por la dignidad de la mitad de la población mundial. Estar rodeada de autoras de gran talento me anima a seguir escribiendo. Antes de dejaros con las palabras de la Editorial Ménades, que ha hecho posible este libro, no quiero dejar de daros las gracias de ❤ por leerme y estar siempre al otro lado de los cables y muy especialmente a la Asociación AMEIS y a Sonia Aldama por empujarme a dar este salto.

 

Ménades Editorial:
“El  7 de mayo presentamos “Esas que también soy yo, nosotras escribimos”, de la mano de sus editoras, Carmen Peire e Isabel Cienfuegos, a quienes les acompañarán la escritora María Tena y la ilustradora Sara Morante, en el centro cultural Conde Duque a las 19h.

Llega a nuestra colección de “Actuales” esta antología que compila cuentos de 60 autoras, además del trabajo de 6 ilustradoras, y que nos muestra un amplio panorama de temáticas que rompe tabúes sobre la literatura escrita por mujeres.

Y es que el cuento es un acto de militancia, una fórmula expresiva que engancha y crea adicción, que hace leer otros cuentos y nos hace avanzar y experimentar con la literatura. Es una forma narrativa que sabe hablar de nuestro tiempo, en que domina lo intenso, lo breve, lo fragmentado.

Este libro, iniciativa de la Asociación de Mujeres Escritoras e Ilustradoras-Festival Oño (AMEIS), reúne a escritoras consagradas, como Almudena Grandes, Rosa Montero, María Tena o Marta Sanz. Escritoras latinoamericanas como Cristina Peri Rossí, Mariana Torres o María Fernanda Ampuero. Las hay que están empezando, que son muy jóvenes, y otras que en estos últimos años ya forman parte de una comunidad literaria más reconocida, como Marina Perezagua, Cristina Morales, Gema Nieto, Gloria Fortún, Sonia Aldama o Gemma Pellicer. Junto a ellas, las ilustraciones de poderosas artistas como Sara Morante resaltan los aspectos más llamativos de algunos cuentos.

Próximamente en librerías.”

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