WILLIAM S. BURROUGHS: YONQUI

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Desconozco a quién le puede interesar  este libro porque para los yonquis no tiene ningún misterio: ¿a quién le va a interesar leer lo que ve cada mañana en el espejo? y para los que no lo somos no veo tanto morbo ni aventura típica de la pulp fiction. Supongo que este concepto que en realidad es erróneo, ya que pulp se refiere a la encuadernación rústica de novelillas, a pesar de que algunas fueron escritas por grandes autores, de subgéneros narrativos como la aventura, la ciencia ficción, la ficción queer (homosexual), el terror y un largo etcétera, tampoco es que pudiera estar lleno de moralina, si atendemos el momento en que está escrita, 1953, todo lo contrario. Aquí en España el prototipo de personaje pulp es el Coyote, novelas creadas por José Mallorquí en 1943. Otros personajes famosos de mi juventud pueden ser Fu Manchu, creado por Sax Rhomer, Cthulhu de H.P. Lovecraft, Flash Gordon de Alex Raymond, o Conan de Robert E. Howard. En Yonqui no hay glamour, ni humor ni nada.

Ningún libro puede impedir el deseo de llenar un vacío, que según el autor es lo que hace la droga, en general y esto lo añado yo, cualquier tipo de adicciones. Yonqui es casi un tratado de cómo un muchacho del medio oeste se convierte en un yonqui de guante blanco. Un chico de buena familia que después escribiría con técnicas tan sobresalientes como el cut-up, o la técnica del recorte de periódico, que hacía que por medio de esos recortes aleatorios viéramos frases con sentido, porque según Burroughs el lenguaje nos aliena. Esto, que parece sacado de un taller de escritura creativa, ha dado lugar a grandes canciones de Patty Smith, David Bowie o Kurt Kobain.

No obstante, aquí no hay una narración al estilo Bukowski. Su estilo es desapasionado hasta la náusea, nos cuenta sus experiencias como quien hace la lista de la compra, empiezas a lo tonto, te rodeas de criminales y otros drogadictos, entras y sales de la cárcel, quieres salir de la droga pero en realidad no, recaes y no te das cuenta de que eres un  yonqui hasta tu primer síndrome de abstinencia, a partir de ahí parecerás un doctor en química o un farmaceútico. Por tanto, no voy a negar que me he aburrido. Según el prólogo de Alan Gingsberg, con quien se dice que estuvo liado, necesitaron mucho cuidado para que pudiera pasar la censura y lo pudieran editar. La mayor parte del libro se la envió en sus cartas que luego se publicaron como Cartas de la ayahuasca. Pero me ha ocurrido como con Boris Vian y su Escupiré sobre tu tumba, yo creo que eso no era pulp, pero como si lo fuera, ninguna de las dos pasa el filtro del tiempo. Reconozco la valentía de ambos y su estilo, pero poco más. Esto es un catálogo de supermercado y no una autobiografía, porque sabes que puede hacer muchísimo más pero deja fuera al lector. Burroughs, según dice, no sabía unir precaución y sexo, qué pena que no le haya sucedido lo mismo con esta obra, pero es su primera novela y su influencia es notable. Volveré.

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Mis alumn@s escriben: Tango satánico de László Krasznahorkai

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Fomentar el espíritu crítico en los talleristas o los alumnxs de mis cursos tiene muchas cosas buenas y una de ellas es que no me hacen ni caso. Por eso os voy a dejar una selección del trabajo final de las mejores críticas de mi último curso, del que estoy muy orgullosa ❤ Hoy le toca el turno a Tango satánico, de László Krasznahorkai, uno de mis autores favoritos y uno de los más complejos. En el enlace, mi reseña de Guerra y guerra. Por eso, y por su particular forma de escribir en la que apenas hay puntos, era una apuesta arriesgada y ésta es la valiente respuesta de María Pardo. Muchas gracias. Espero que os guste.  Contadme.

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Tango satánico de László Krasznahorkai

Nacido en 1954 en Gyula, pequeña población situada al sureste de Hungría, este autor es considerado uno de los narradores fundamentales de la literatura actual. Se dice que un escritor debe tener el valor para, en tiempos difíciles, mostrar los acontecimientos que la gente teme relatar, pero esa no es la intención de Krasznahorkai para él, “el relato histórico falsifica el pasado para poder pervertir el presente”, por eso, su objetivo nunca ha sido el de hacer política a través de sus escritos sino describir lo que sus personajes sienten, piensan y hacen tratando de construirles un futuro incierto con un pasado difícil y una existencia anodina. Personajes verosímiles a los que muestra de menera física e intimista con descripciones precisas, pormenorizados detalles y mediante una introspección psicologica excepcionalmente conseguida.

Tango satánico (1985) es su primer libro escrito y también el primero de una serie adaptado al cine por Béla Tarr con el título Sátántangó en un largometraje de 7 horas y media de duración. Rodada en blanco y negro es la propuesta cinematográfica que mejor puede reflejar el escenario y contenido de esta novela: ambiente oscuro, decadente, melancólico, preparado para que en cualquier momento pueda suceder una tragedia.

La historia se sitúa en un pueblo de Hungría después de la caída del régimen comunista y relata el presente, el pasado y el imaginado y anhelado futuro de la existencia de los pocos supervivientes que lo habitan, personajes decadentes, borrachos, desaliñados que huyen de la desesperanza, en cierta medida, de sí mismos y que admiten el engaño como manera de sobrevivir porque necesitan salvarse a toda costa.

El libro empieza y acaba con la puesta en escena de un personaje, el doctor, quien dará  comienzo al relato vigilando desde su sillón y recreando el transcurrir de la existencia de sus vecinos; Futaki, el señor y la señora Schmidt, los Horgos, Kerekes…. todos ellos personajes de la comunidad que se convierten en uno por la deshumanización a la que están avocados.

El doctor y Estike emergen del resto de personajes con impactante protagonismo, el doctor, personaje desaliñado, gordo  y borracho vive rodeado  de suciedad a pesar de que es el único que puede presentar algún rasgo diferencial: piensa y escribe; anota en su diario la cotidianidad que cree observar a través de su desvencijada ventana. El otro personaje destacado es Estike cuya existencia queda magistralmente contada en el capítulo en el que el autor relata un trozo de la misma valiéndose del retrato intimista de unas horas de su existencia. Estos personajes y los otros, todos ellos constituyen un único ser que espera algo esperanzador con la llegada de Irimías, personaje perverso, mentiroso y falto de escrúpulos que consigue llevarles camino de un futuro que no existe. El narrador omnisciente nos permite saber lo que piensa Irimías, los deseos ocultos, dejándonos descubrir un final que intuimos desde el comienzo.

La descripción que se hace del espacio y tiempo nos invita a imaginar sin esfuerzo los detalles y pormenores de las diferentes escenarios en los que va transcurriendo la acción.  El espacio parece funcionar como un principio estructurador: el mismo espacio para la primera parte del libro en el que parece no suceder nada pero que sitúa todo. Relacionado con él se presentan la descripción física de los personajes, sus estados anímicos, los rasgos psicológicos que irán conformando la historia.

El tempo lento queda muy bien recogido a través de la utilización de un vocabulario preciso , de la escasez de puntos y aparte y en la que la utilización libre de la ortodoxia ortográfica: palabras unidas en largas frases y carencia de signos de puntuación nos ayuda a sumergirnos en el mundo interior de sus personajes, sus acciones y la manera en la que éstas conviven con sus pensamientos.

El ambiente físico: espacios cerrados, marginales, solitarios y el psicológico: ambiente emocional agobiante, opresivo ayudan a recrear una atmósfera que crea las condiciones para que surja lo inesperado y desate el miedo, la duda o cualquier otra emoción en el lector. Un tiempo meteorológico, que en muchas ocasiones es casi un personaje más que acompaña al protagonista, ayuda a la creación de esta atmósfera y tono narrativo  íntimo, trágico, sombrío, dificil, que marca un estilo complicado, poco claro pero preciso.

                                                                       *

Krasznahorkai recibió importantes reconocimientos a lo largo de su carrera destacando el Premio Kossuth (2004), el primero que le fue concedido de manos del gobierno húngaro. Siendo uno de los más prestigiosos de su país, le sirvió como impulso definitivo para una mayor difusión de sus trabajos. Los lectores que gustan de una forma de escritura poco habitual y exigente han encontrando en él a un escritor de culto. En un deseo de situar a mis lectoras, especialmente Susana, afirmaré que así me ha resultado a mí su lectura: difícil, desconcertante a veces, retadora siempre pero que, tras superar el esfuerzo inicial que requiere la misma, me ha permitido compartir la afirmación de Pedro B. Rey: “leerlo es una auténtica experiencia, algo insólito y desconcertante.” *

*Pedro B. Rey, en Revista Santiago, 14 marzo de 2019.

María Pardo 2020

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MARIO CUENCA SANDOVAL: EL LADRÓN DE MORFINA

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A veces me siento mal. Mal porque novelas estupendas como ésta no tienen la reseña que probablemente merecen. Vaya por delante que considero a Sandoval un excelente escritor y que es muy probable que lea alguna otra de sus obras.

Tengamos en cuenta que he estudiado la temática de la guerra durante años y que esta obra trata de la de Corea, la gran olvidada y, sin embargo, precursora de la guerra de Vietnam. Por tanto, mi interés por esta novela, tan alejada de lo que en España solemos entender por novela de guerra, era enorme. Nuestra literatura no suele producir novela bélica ni tampoco de trauma, por mucha narrativa que trate sobre la guerra civil, pero esos ojos suelen ser más sociales que bélicos. Quizá la novela de Alfredo Conde Memoria de soldado aporte algo nuevo al respecto y también, la inolvidable Los girasoles ciegos de Alberto Méndez. Si pincháis en los enlaces podréis leer mis reseñas. Seguro que me dejo muchas más, pero son dos buenos ejemplos. El inicio de El ladrón de morfina es espectacular, en fondo y forma. En realidad, toda la primera parte es muy lírica, con un personaje muy bien retratado y sin abusar de innecesarios clichés. El recurso de la metaficción y sus notas al pie favorece nuestra inmersión en la historia. No obstante, las otras dos partes que conforman la novela están narradas de la misma manera, lo que me ha resultado tedioso. Si me vas a contar una historia, cuéntamela, pero no me ofrezcas unos puntos de vista distintos si no llevan aparejados cambios en el tono o en el estilo, eso sin desmerecer grandes escenas que ocurren en esta segunda parte. En la tercera ya estaba deseando que acabara de una vez, era más de lo mismo, pero con la sensación de que el autor estaba cansado, que el lirismo no alcanzaba el gran nivel anterior. Esto suele pasar con algunas obras e incluso autores, que pretenden exceder las historias que cuentan. La trama de El ladrón de morfina es excelente, no hacía falta que me la vendieran, eso dispersa a lectores como yo que piensan que en la sencillez y la autenticidad está la virtud. No obstante, y a pesar de lo que yo considero un fallo estructural, estamos frente a una gran novela, que eleva el nivel de la narrativa española y que sale de la zona de confort del autor, al que no vamos a perder de vista. Recomendable.

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Mis alumn@s escriben: Cometierra de Dolores Reyes

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Fomentar el espíritu crítico en los talleristas o los alumnxs de mis cursos tiene muchas cosas buenas y una de ellas es que no me hacen ni caso. Por eso os voy a dejar una selección del trabajo final de las mejores críticas de mi último curso, del que estoy muy orgullosa ❤ Hoy toca Cometierra, de Dolores Reyes, reseña de Susana Molledo Pouso. En el enlace tenéis la que hice yo. Espero que os guste.  Contadme.

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Esta novela aparentemente corta, pero que sobrepasa las 170 páginas, es una historia extraña de principio a fin. Podría formar parte de un texto cercano al realismo mágico si Dolores Reyes hubiera resuelto de forma correcta tal paradoja, pero el argumento queda en un limbo no solventado entre lo mágico, el don con el que cuenta el personaje protagonista, Cometierra, y lo real, el horror que da pie al argumento mismo de la novela: una joven capaz de ver los crímenes que se cometen a su alrededor cuando come tierra. El comienzo de la novela es impactante. La primera visión de la protagonista es comprobar que la mano que ha acabado con su madre es la de su propio padre. A partir de ese momento se convertirá, muy a su pesar, en Cometierra, una joven a la que sus vecinos pedirán ayuda llevándole tierra de sus casas para que encuentre a sus desaparecidos, todos ellos mujeres y niños desfavorecidos, habitantes, como ella, de barrios marginales de Buenos Aires, que han sido hechos desaparecer, en realidad, y la mayor parte, además, asesinados. Lo que podría haber sido la excusa perfecta para realizar una crítica feroz y valiente del peligro que mujeres y niños corren en parte de la sociedad argentina actual, se convierte en una narración aburrida por lo reiterativa.

Aunque cuenta con una estructura claramente lineal dividida en tres partes, con una trama bien construida de principio a fin, la autora no es capaz de centrarnos en el relato. No consigue la fuerza que el tema elegido requiere. Las injusticias cometidas contra colectivos vulnerables, con la connivencia de gran parte de la policía, dan para mucho más, pero no hay garra en la forma de contarnos esta terrible historia. Y eso que tiene otro aliado: el narrador. Un acierto haber elegido la primera persona, porque al lector le llega desde muy cerca el dolor que siente la protagonista cuando usa su don, que es al mismo tiempo su maldición. Pero aun así el relato de los acontecimientos resulta confuso y desordenado.

Hay tres puntos que deberían ser suficientes, y no lo son, para atrapar al lector: historia extrema de denuncia social, un personaje-narrador que ve más allá que el resto de los personajes y una trama bien organizada, a pesar de la nada clara cronología de los hechos.

Los personajes que conviven de una u otra manera con la protagonista no resultan interesantes para la historia: su hermano Walter, la tía y la profesora, el policía, los amigos… Son estos pero podrían haber sido otros y la historia sería la misma.

Dolores Reyes utiliza un estilo sobrio y conciso, en ocasiones muy lírico, que por desgracia desaparece tras las primeras páginas. Alguna frase, incluso, al principio de la novela me ha traído a la mente al inimitable Miguel Hernández: “Cierro los ojos para apoyar las manos sobre la tierra que acaba de taparte, mamá, y se me hace de noche. Cierro los puños, atrapo y la llevo a la boca”.

La prosa casi poética que, como he dicho, aparece al comienzo de la novela, desaparece por completo para dar lugar a una prosa deslavazada repleta de errores gramaticales y de tiempos verbales mal construidos. Podríamos pensar que se trata de la forma de hablar de sus personajes, pero no son aspectos que determinen un bajo nivel cultural sino errores habituales en personas de cualquier clase social.

En cuanto al lenguaje de esta obra, si la autora o la editorial quieren hacerse un hueco entre los lectores españoles deberían replantearse la cuestión de los argentinismos que pueblan la novela. Hay una cantidad excesiva; muchos de ellos localismos, lo que dificulta enormemente su lectura. Algunos podemos adivinarlos por el contexto; no así otros muchos, que solo consiguen echarnos una y otra vez de la historia cada vez que acudimos al diccionario. Aunque tal vez habría que perdonar en este punto a la autora, pues seguramente nunca imaginó llegar a un público allende los mares con esta obra.

No quiero terminar este modesto análisis sin añadir un detalle importante que aparece en Cometierra y que hemos estudiado a lo largo de este curso. En uno de los momentos claves la autora se saca de la manga una escena que resta verosimilitud al relato y rompe la continuidad del argumento: la aparición del padre, cual superhéroe de comic, no debería tener cabida ni siquiera en una novela como esta.

Susana Molledo Pouso

Editorial Sigilo

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TALLER DE INICIACIÓN FUENTETAJA BILBAO

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Supongo que os estaréis preguntando por qué no he publicado nada las últimas semanas y es que estoy muy ocupada preparando mis nuevos talleres para Fuentetaja Bilbao. En breve tendréis nuevas críticas en Monólogo interior.

Muchas gracias por seguir al otro lado de los cables. Espero veros en mis cursos.

Un abrazo ❤

TALLER DE ESCRITURA CREATIVA en BILBAO –A partir del 15 de FEBRERO 2020 abrimos nuevos GRUPOS de trabajo; duración hasta junio 2020.
Información completa e inscripciones haciendo clic en:
https://fuentetajaliteraria.com/taller-de-escritura-bilbao/

Con profesores y autores de primera línea. Distintos horarios. Aulas en el centro de la ciudad.

✍️ Distintos niveles. Tanto si te inicias como si ya tienes experiencia, no existe un taller de escritura más completo. Diversas secciones de materiales didácticos y actividades, todas optativas para que puedas adaptar tu propia ruta de aprendizaje en función de tus expectativas y tu tiempo disponible. Cuota mensual: 90 euros.

✍️ Como novedad, este nuevo curso el taller incluye ya a tu disposición más de 80 video-lecciones magistrales por firmas de primera línea.

NIVEL INICIACIÓN
Grupos de inicio en Febrero:
-Lunes de 19,00 a 21,00 h. por Berta Delgado Melgosa
-Viernes de 17,30 a 19,30 h. por Berta Delgado Melgosa

Grupos abiertos a incorporaciones:

-Miércoles de 19,00 a 21,00 h. por Martín Olmos

Nivel Avanzado
-Jueves de 19,00 a 21,00 h. por Juan Bas

Nivel Profundización
-Lunes de 19,00 a 21,00 h. por Biktor Abad
-Martes de 19,00 a 21,00 h. por Jon Bilbao

Taller presencial en Bilbao. Aulas en pleno centro:
C/ Uribitarte Pasalekua nº 11 (Kai Atelier)
48001 Bilbao

✍️ Comprobarás en nuestra página web que se trata de un taller muy completo, a un punto incomparable. No en vano somos pioneros en la didáctica de la escritura creativa en España y llevamos más de 30 años mejorándolo.

✍️ Un taller de Fundación Escritura(s) con la colaboración de Talleres de escritura creativa Fuentetaja. Los participantes de este taller se benefician del trabajo de la Fundación Escritura(s) al tiempo que colaboran a sostenerla.

INSCRIPCIONES e INFORMACIÓN completa de este taller:
https://fuentetajaliteraria.com/taller-de-escritura-bilbao/
o en el teléfono 619027626 en horario de atención de lunes a viernes de 10 a 14 y de 17 a 20 horas.

La imagen puede contener: 24 personas, personas sonriendo, texto que dice "el más completo taller de escritura creativa"

SHERWOOD ANDERSON: WINESBURG, OHIO

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Como cualquier cretino he leído la contraportada y, en honor a la verdad, se queda bastante corta, algo de por sí extraño. En la edición que manejo, Malcom Cowley, poeta, editor, historiador y crítico literario, apunta que escritores de la talla de Hemingway, Faulkner, Caldwell, Saroyan y Henry Miller, han contraído una “indudable deuda” con el autor. No obstante, deja tantos nombres fuera que no creo posible que ningún escritor estadounidense que se precie no haya bebido de Anderson. Podríamos mencionar a Carson McCullers, F. Scott Fitzgerald, Ray Bradbury, quien indicó que esta obra le inspiró Crónicas marcianas, o Raymond Carver, cuyo realismo podría considerarse algo desvaído frente a la fuerza de los personajes de Anderson, quien traza una certera línea entre lo genuino y lo falso.

Winesburg, Ohio: colección de relatos sobre la vida en un pequeño pueblo de Ohio, su título real, se articula a través de veintidós relatos contados por un narrador omnisciente, George Willard, un adolescente, reportero de un periódico local, que es el hilo conductor. Cada historia está protagonizada por un personaje y por eso me resisto, con otros tantos críticos, a llamarlo novela. Fue bien recibida, vendió unos 3000 ejemplares y se considera un clásico de la literatura estadounidense, precursora, en cierto modo, de las obras modernistas. Tras su éxito inicial en la década de los años veinte, decayó su popularidad como autor, pero la influencia, como decíamos, es notoria.

Los personajes muestran una manifiesta incapacidad de expresar sus emociones y la soledad es el tema principal.  Cuando lees Winesburg, Ohio, crees que otras obras son sucedáneos, a pesar de que su estilo es mucho más sencillo que el de Faulkner, pero mucho más oscuro que el de Hemingway, por ejemplo. Aunque en algunas cuestiones tiene cierta moralina, el estilo es demoledor. Se tacharon sus historias de “sórdidas”, que se desarrollan en una zona rural, inventada, aunque exista un pueblo con el mismo nombre. Es un momento en el que la sociedad industrial comienza a variar las tradiciones y comportamientos. Estos personajes se encuentran en un impasse, aunque ni ellos mismos lo sepan. Sus vidas son un fiel reflejo, no sólo del Medio Oeste americano en las primeras décadas del siglo pasado, sino que puede que nos explique algo más del tremendo cambio al que nos vemos abocados en esta tercera revolución industrial en la que estamos inmersos. Podemos leer estos veintidos relatos desde nuestros cómodos sillones como algo lejano y escabroso o contemplar nuestra provinciana imagen en un espejo más grande en el que recordar aquella frase de Lampedusa: “es necesario que todo cambie para que todo siga igual”. Sé que a veces es desolador y es duro. No, no es necesario escribir así, pero es imprescindible que, al menos de vez en cuando, recordemos que el mundo no gira a nuestro alrededor.

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ALFREDO CONDE: MEMORIA DE NOA

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El verano se ha alargado más de lo habitual este año y por lo que a este blog se refiere. No es que me haya olvidado de vosotrxs, sino que la vida a veces va más deprisa o despacio de lo que nos gustaría. Tanto si esta excusa, barata por lo demás, os sirve o no no me concierne. Lo cierto es que la frecuencia de mis entradas pasará a ser quincenal o no será, lo que me concederá un tiempo imprescindible para otros menesteres, primordiales, en este momento. Espero que las críticas de las lecturas que vienen os resulten interesantes 🙂

Me encuentro inmersa en un proceso de cambio a todos los niveles y esto, por lo que a la literatura se refiere, y por lo que a mí respecta, sólo quiere decir que voy a lo seguro. Nada de experimentar cuando vas pisando huevos por la vida, motivo por el cuál, he ido a uno de mis grandes referentes, Alfredo Conde. En este caso, como en otros que vendrán, relacionados con vivencias y la narración de esas vivencias, algo que tiene que ver con mi próximo trabajo. Para los que no me conocéis, este blog no sigue modas sino mis propios impulsos.

Noa, la protagonista, es hija de un cura, nacida del amor y amada por su padre, no tanto por su madre, algo psicológicamente mucho más peligroso. Es probable que ese sea el detonante de esta búsqueda en la que el sexo, sin ser lo más importante de la novela sea relevante. Veamos. Todos tenemos una idea de nuestra identidad que intentamos alejar de nuestra identidad sexual, pero son una. No es que seamos lo que deseamos pero tampoco lo contrario. En el fondo la pregunta es si es necesario el amor y también si lo es el sexo y dado que la protagonista es una mujer y el autor no (distingamos autor de narrador), el conocimiento de las mujeres se hace imprescindible o toda la estructura de la obra se iría al traste, lo que, por fortuna, no sucede, y sí la convierte en un alarde introspectivo.

Empieza lenta, como todas las obras de Conde, para terminar apoteósica. Noa utiliza unas sesiones de carreras por la naturaleza para pensar en su vida. Es difícil entrar en el personaje por el lenguaje lírico que no esperaba y que sea a la vez tan racional como para medir el amor y también el sexo, pero así vamos siendo a medida que maduramos: hacemos caso a nuestra mente, olvidamos lo que no debemos y recordamos lo que no queremos las más de las veces, lo que nos convierte así en la cantidad justa de los intersticios de ambas. El gran acierto de Conde ha sido no intentar diseccionar cómo es una mujer, ni decirnos lo que lleva dentro, ni mucho menos juzgar o idolatar. El ser humano es más bien poco pero difícilmente definible, incluso para sí mismo. Nos engañamos e intentamos hacer lo propio con los demás. La familia, tantas veces problemática nos sirve de marco en esta historia para dar voz a una vida que debe ser inequívocamente nuestra y que Alfredo Conde, una vez más, nos anima a reivindicar.

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GONZALO TORRENTE BALLESTER: TEORÍA DE LA NOVELA

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Gonzalo Torrente Ballester ​tiene el dudoso honor de pertenecer a ese conjunto de literatos españoles, injusta e indecentemente, olvidados por el gran público, como por ejemplo, Miguel Delibes o Ignacio Aldecoa. En su haber cuenta con numerosos galardones como el Premio Cervantes, el Premio Príncipe de Asturias de las Letras y el Premio Nacional de Narrativa, cuya obra cumbre es La saga/fuga de J. B.

En  Teoría de la novela, se incluyen seis conferencias inéditas. Las cuatro primeras fueron pronunciadas en un curso de 1973 con ese mismo título, las otras dos se centran en el realismo y en el proceso de la creación, probablemente lo más interesante para profanos en materias teórico-literarias. Desde luego hay que observar sus planteamientos con la cautela del momento histórico en el que fueron escritos pues, como sabemos, las teorías dan muchas vueltas.

Sobre el concepto de novela se ha escrito de manera ingente, y mientras leía me venían a la cabeza textos de Unamuno, Baroja u Ortega. Su definición de novela no tiene desperdicio: “obra narrativa de carácter ficticio que tiene como finalidad interesar por el destino de alguien que no existe”Resalta luego el proceso de invención, porque Torrente es sobre todo escritor, y divide el proceso en tres fases: la prefiguración, el texto aún no está realizado, la configuración, visible por y para las palabras, la materia prima, hasta conseguir la figura, esto es, el texto definitivo, ante el que menciona tres posicionamientos: el del lector, el del crítico y el del estudioso. Es decir, tiene en cuenta estas cuestiones porque, en su momento, la literatura era una cosa seria, a la que se dedicaban personas de vasta cultura, que analizaban los entresijos y no consumían cuatro conceptillos y lanzaban al aire ridiculeces varias para repipis, lo que también choca con las cualidades que debe tener un novelista, entre las que destacan la organización y la estructura. Confío en que no levante la cabeza, porque creo que son dos cuestiones que la mayoría de los escritores actuales no pone en práctica a menudo. Menciona la intuición como una pieza fundamental, pero para llegar ahí es necesaria mucha introspección y silencio y nos come el ruido del marketing.

Otras cuestiones tratadas incluyen la frontera entre novela y cuento, el origen de las historias, las fases de la invención siguiendo los postulados retóricos o la importancia de los personajes, la clave de la narrativa. No obstante, formula cuatro principios que vertebran su teoría, el de “cohesión”, el de “congruencia”, el de “convivencia” siendo, para mí el más interesante, el de “realidad suficiente”, que decidí utilizar en mi compilación (gratuita) de críticas de este blog desde su inicio hace seis años, Realidad suficiente, Torrente lo define como “[…] las condiciones que tiene que tener un texto para que sin ser real pueda parecerlo, pueda causar al lector impresión de realidad”. Esto ya viene de Aristóteles. Para algunos autores no es lo más importante a la hora de escribir, pero tengamos en cuenta que es anterior a la teoría de los mundos posibles (Véase Tomás Albaladejo Mayordomo), no obstante, sin verosimilitud el texto cae, los personajes se inmolan y la novela termina siendo un castillo de naipes por el suelo. Hay otras cosas, igual que hay otros libros más teóricos y más modernos, pero podemos empezar por aquí si queremos llegar a ser novelistas.

A partir de ahora comienzo mi habitual retiro de las redes sociales hasta octubre, momento en el que espero teneros al otro lado de los cables para ofreceros más y más libros. Gracias por estar ahí.

 

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MANUEL VICENT: TRANVÍA A LA MALVARROSA

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Hasta ahora Valencia ha sido para mí un refugio. A lo largo de muchos años la Malvarrosa se convertía por un, siempre demasiado, breve espacio de tiempo en mi bunker personal donde desbrozar las malas hierbas, coger fuerzas para el resto del año y repetir como un mantra: “el mar pone todo en su sitio”. Los cambios acaecidos este año no me dejan aventurar si esto seguirá siendo así, pero al leer Tranvía a la Malvarrosa, me he dado cuenta del enorme afecto que guardo a esta tierra que siempre me ha demostrado que no todo es lo que parece, incluida yo.

Manuel Vicent (1936-) es licenciado en Derecho y Filosofía y también periodismo, donde ha destacado con sus artículos. Ha probado casi todos los géneros: novela, teatro, relatos, biografías, libros de viajes, entrevistas, gastronomía y es, además, experto en arte. Ésta es sin duda alguna, su característica más relevante por lo que a esta obra se refiere y es que es constante la luz en su prosa a lo largo de toda la novela, de tal forma, que diríase que es un sentido homenaje a Joaquín Sorolla, también valenciano, y uno de mis pintores favoritos, que desarrolló la técnica pictórica del “luminismo”. No es extraño, por tanto, que alguna de sus definiciones como la de Andrés Rábago García (más conocido como El Roto), que ilustró su obra Crónicas urbanas, el estilo de Vicent «es muy barroco, pero también muy luminoso» y que Francisco Umbral, del que ya hemos hablado en Monólogo interior, admirara a Vicent por«la calidad tectónica de su prosa, (…) la fuerza levantina de sus imágenes, (…) el volumen áureo y matinal de su palabra». Lo de matinal también tiene que ver con la luz, que no se apaga en toda la obra.

Una suave ironía y un humor negrísimo hacen que esta novela sea una deliciosa lectura de verano, en la que un muchacho comienza un viaje iniciático de la adolescencia a la juventud, desde  un burdel sórdido pero amable, marcado por un amor platónico, el sexo, la universidad, el calor y la Malvarrosa. Ha sido para mí una auténtica gozada recorrer a través de estas páginas, calles tan conocidas y queridas del barrio de Ruzafa o la Gran Vía de Germanías y recordar tantas mañanas cerca del balneario de Las Arenas. Parecen inevitables las notas autobiográficas y la crítica a esa España de pandereta, de curas y putas, de pobreza mental obligada y, sobre todo, de la otra. No en vano se ha llevado al cine, pero no he visto la película. Poco más que decir. Es una novela que te mece con el mar y la luz levantina, a través del humor y unos diálogos excepcionales. Vicent ha sabido reflejar fielmente la fuerza y la belleza de Valencia, casi un personaje más, sin escatimar en críticas a ese período histórico tan temible, aún no superado, que fue la dictadura franquista. No es probable que lea con devoción todas sus obras, por ejemplo Son de mar me pareció mediocre, pero es bueno tener como referencia una prosa preciosista como la suya.

Pd. 2 Podéis también apuntaros a mis talleres de crítica literaria y autocorrección para narradores para Culturamas visitad los enlaces ❤ También podéis acudir de manera presencial a mi taller de escritura creativa inicial para Fuentetaja, Bilbao o al de crítica literaria online para ALEABilbao.

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SCOTT FITZGERALD: EL GRAN GATSBY

fitzgerald

Fitzgerald murió creyendo que había fracasado con esta novela. Esto sucede cuando uno sabe que ha escrito algo grande y no recibe una retroalimentación que considera suficiente. Ahora bien, ¿algo grande comparado con qué? Sin duda, esta novela es buena y no voy a ser yo quien contradiga a grandes escritores y críticos, pero aparte de unos diálogos excepcionales, una visión no escrita con anterioridad de esa época y una gran ambientación, yo creo, con toda la humildad del mundo, que El gran Gatsby no es una gran novela, sino un excelente guión cinematográfico, cuyos personajes representan con exactitud la decadencia moral que presagia el gran desastre. Él quería, según sus palabras: “algo nuevo, extraordinario, hermoso, simple, pero con un intrincado diseño”. Consiguió todo eso, en mi opinión, pero es etéreo. Pío Baroja decía que se saltaba las descripciones, yo me he saltado diálogos que, como digo, son dignos de estudio, para llegar a la acción. No me he metido en los personajes porque no estaba en una novela sino en una película y esto me preocupa pues es una cuestión de expectativas. Me sucedió igual con Madame Bovary de Gustave Flaubert, que tampoco consiguió engancharme, me pareció insulsa y a ratos ridícula (comparada con La Regenta de Leopoldo “Alas” Clarín), y me hace preguntarme sobre mi criterio y sobre conceptos de hermenéutica para saber si estoy esperando leer algo que case con lo que yo considero excepcional y no necesariamente lo que se considera excepcional de una manera más o menos objetiva. Es decir, existe un canon nos guste o no, pero es difícil situarse fuera de él sin interpelarse si existe una justificación demostrable sobre por qué crees que una novela no es una obra maestra, a pesar de lo que diga todo el mundo, como creo que es el caso. El propio Fitzgerald dijo:«He escrito la mejor novela de los Estados Unidos de América.» Autores como T. S. Eliot, Edith Wharton o Gertrude Stein secundaron la moción. Me ha sorprendido que Harold Bloom, controvertido crítico sobre el que ya hemos hablado en Monólogo interior que no deja títere con cabeza, diga que esta obra “tiene pocos rivales como la gran novela americana del siglo XX. Al volver a leerla, una vez más, mi inicial y primera reacción es de renovado placer.” Pues bueno, me quedo fría, y no le hago caso en esta ocasión como en otras tantas. O bien no tengo la sensibilidad necesaria o estoy completamente equivocada con mi criterio. También hay grandes novelas que son muy complejas de entender filosóficamente pero no es el caso. En El gran Gatsby no hay niveles de lectura a los que no llego. Comprendo el momento en el que se escribió y que era algo novedoso, no hay problemas de verosimilitud, hay una trama, hay amor, desamor, muertes, está todo pero me ha costado pasar cada página, no sabéis cómo me he aburrido. Me sucede con algún otro autor estadounidense que intento leer y me es imposible, como Richard Ford o Saul Bellow. Nada, cada vez que lo intento las páginas pesan toneladas, los párpados se me caen y termino descompuesta pensando que no sé suficiente de literatura. Eso es cierto. Nunca es suficiente.

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